EL ÚLTIMO CAFÉ

Historia del arte II

UNIVERSIDAD DE LAS ARTES

Maestro: Eduardo Albert Santos

Alumno: Mario Suárez Cabrera.

13 – 09 - 2016

 El último café.

Desperté un día con ganas de volar lejos de todo lo que conocía, cuando intuí la escena tuve enormes ganas de cambiar mi estado cómodo en el que me había acostumbrado el escaso conocimiento del arte, corría el año  2010 antes de este tiempo yo era un amateur creyéndose alguien en una ciudad que se conforma con poco y que se justifica por todo.

Desperté un día, activé la alarma y me dispuse en un viaje sin retorno del que aún no encuentro un lugar para el acomodo.

Tantas huellas, obras, cuadros, esculturas crean una columna que va en conexión directa con lo desconocido más allá de de la galaxia brillante, conocida como WISE J224607.57-052635.0 descubierta hace poco por la NASA y de la que se cree que puede tener un agujero negro gigante en su vientre, absorbiendo en sí su propia naturaleza, algo así como yo, asombrándome de lo que descubro y conozco doblandome desde mi propio centro para venerar a los dioses creadores de belleza y en este maravilloso encuentro he caminado con alguien más allá de un amigo cercano un hombre a quien le compete cada una de las consonantes y vocales 

Maestro Albert Santos.

Soy Mario Suárez y buscaré mi bitácora de viaje en este último paradero al que he llegado de la mano de un maestro al que quiero y venero; desde que nací viví rodeado de arte adorando y venerando las imágenes sagradas de Jesús, María, los ángeles, santos y demás divinidades que nunca creí que había sido hechas por manos humanas, nunca pensé en un hacedor, solo amé a esos dioses que se hacían visibles en el altar de la casa de mi abuela. Hoy no soy creyente pero si lo fuera, amaría con más devoción porque no solo conocería a Dios sinó la obra de esos importantes artistas.

Nací en las faenas del campo con mi padre un agricultor, pescador, artesano, músico, miraba en los cerros que quedan alrededor de mi casa el fin del mundo, no conocía otros lugares más allá de mi pequeño pueblo, tampoco la historia de la tierra, no sabía porque somos tan cercanos a la tierra a la que volvemos, no conocía como llegamos a ser lo que somos.

Allá mi madre en un fogón cocina al fuego de la leña los alimentos en ollas de barro, la alfarera del pueblo hace las ollas y los fogones con tierra especial le heredó a su hija el oficio y permanece, de donde viene la tradición y la costumbre, quería volar de pueblo a encontrar respuestas.

Entonces viajé y llegue al ITAE  la “agencia de artes” y compré un boleto para un crucero por el más fascinante mundo del arte, emprendimos el viaje, y como guía de turismo estuvo el Maestro Albert Santos.

Empezamos este viaje maravillados entramos a las cuevas prehistóricas del paleolítico, mesolítico y entre el arte rupestre desde las monocromías y descubrí con profundo asombro el nacimiento de mi propia existencia, olía el barro, la tierra, el tizne, podía tocar las rocas y engranar mis manos a las huellas y vivir el pasado, ir de caza, y moldearme como las venus de Ram, Tan-Tan, Savignano, Gonnesdort, Bureti, y perderme entre las curvas del tiempo entre los pliegues de la diosa de todas las venus la de Willendorf quería ser rupestre, barro y caza, quería ser sangre y oscuro hollín, quería ser esa civilización adelantada que inmortalizo su huella, quería convertir mi casa alquilada en una obra de arte que permaneciera.

De pronto viviendo lejos del campo y mi casa en el periodo Neolítico que marca una etapa de cambio de la depredación a la producción de sus propios alimentos  se hablaba de la agricultura y pesca y con ello enraizarse y valorar de donde vengo y lo que conservamos aun porque somos una mezcla, de todo.

 Permanecí por 6 años en un seminario católico para ser un sacerdote, cerca de Dios, lejos de mi cuerpo, este cuerpo que me quemaba por ser explorado, tocado, perforado, aniquilado, jamás me había permitido tomar posesión de este cuerpo con el que había nacido porque era el cuerpo de Dios, el cuerpo consagrado a la iglesia, el cuerpo divino, parte del cuerpo de Cristo y de un universo que también desconocía tanto como desconocía la historia medieval, cuando llegamos a este punto en la historia del arte sólo podía oler a carne quemada en la hoguera, a gritos desgarradores y a unas formas de pensamiento que permanecen hasta el día de hoy, también me he deleitado en las grandes edificaciones y en los vitrales y en toda esta manifestación artística tan rica en detalles, el arte para llegar a Dios pues es su mano la que guiaba a los artistas y por medio del arte también llegaban para expiar sus culpas, la intermediación entre Dios y los hombres y la reafirmación del poder.

Alguna vez viaje de misiones a Archidona en la amazonía y llegué a una iglesia en la que tenía un Cristo crucificado, este Cristo era un joven, un adolescente quizá, tenía marcados sus músculos abdominales que entre la contemplación y la oración sentía algo que punzada mis carnes y sentía alguna arrebato de la tentación mover mi fe hacia otro lugar, este despertar a mi cuerpo lo viví a sentir cuando conocí el Fauno Barberini o sátiro embriagado, enamorado del deleite de un cuerpo abandonado al placer de quien lo mira y lo toca, la exquisitez  permite mirarla de todos los lados, sentir su su textura,  figura humana es verdaderamente deleitable, se grabaron en mi alma todos estos artistas escultores que con un talento y habilidad para esculpir las superficies más duras y darles formas de figuras humanas me he dejado en éxtasis, he visto respirar la escultura “ la piedad” de Miguel Ángel he seguido cada una de sus venas y es como si hubiese atrapado la vida misma en aquel mármol; como no maravillarme al mirar el “éxtasis de Santa Teresa” de Bernini, y he vivido buscando a mi Miguel Ángel como el que muestra Michelangelo o quedarme en la La Eterna Primavera beso" de François August Rodin.

Ya no hay regreso, este crucero es necesario para todos los artistas y un privilegio para quien solo por curiosidad o pasion se embarca.

Y empecé a involucrarme en las obras y con los artistas, creando fantasias y relatos a la luz de este recorrido y empecé con la Geoconda de Da Vinci que se convirtió en nuestro ícono de la obra utilizando una mascarilla profiláctica para evitar que se le pegue el mal del mal hablar, luego vino la siguiente intervención y la Venus de Botticelli se convirtió en uno de los iconos de mi comedia Mucho Lote los peldaños del poder.

Si Guayaquil es la “Perla del Pacífico”, entonces es la concha de Botticelli, el ángel de la izquierda es la Aurora Gloriosa que cubre con la bandera de guayaquil al nacimiento de este personaje popular todo esto sucede en el Río Guayas y al fondo toda la ciudad.

La época que más me encantó fue de el rococó y el barroco me encanta lo sobrecargado me encanta el desborde, el pan de oro, la plata las piedras preciosas, los recovecos y todo este tipo de desborde del arte, me gustaría mucho tener una cama con leones, ángeles, que la cama sea de terciopelo rojo que las ventanas sean vitrales crear mi propia capilla y vivir en este mágico mundo que me apasiona.

Como este trabajo es compartido maestro, me queda como registro para mi propia vida me he tomado la tarea de hacer una lista de los grandes.

Cavallini (1240-1308)

El Giotto (1267-1337)

Fra Angelico (1387-1455)

Mantegna (1431-1506)

David (1460-1523)

Van der Weyden (1399-1464)

Ghirlandaio (1449-1494)

De Cosimo (1462-1521)

El Masaccio (1401-1428)

Botticelli (1450-1510)   

Dürer (1471-1528)

Bouts (1415-1475)       

Bosch (1450-1516)       

Cranach (1472-1523)

Christus (1415-1473)   

Signorelli (1450-1523) 

Altdorfer (1480-1538)

Della Francesca (1420-1492) 

El Perugino (1450-1523)        

Fouquet (1420-1481)    

Leonardo (1452-1519)  

Memling (1430-1494)   

Fra Carnevale (1455-1484)    

Miguel Angel (1475-1564)     

Holbein (1497-1543)    

Veronés (1528-1588)

Clouet (1480-1541)      

Parmigianino (1503-1540)

Caravaggio (1573-1610)

Lotto (1480-1556)        

Bronzino (1503-1572)  

Elsheimer (1578-1610)

Rafael (1483-1520)       

Tintoretto (1518-1594) 

Tiziano (1485-1576)     

Bruegel (1525-1569)    

Rubens (1577-1640)    

Velázquez (1599-1660) 

Giordano (1634-1785)

Poussin (1594-1665)    

Rembrandt (1606-1669)        

Van Baburen (1595-1624)     

Murillo (1617-1682)     

Van Dyck (1599-1641) 

Vermeer (1632-1675)    

Tiepolo (1696-1770)     

Bellotto (1721-1780)    

El Canaletto (1697-1768)       

Fragonard (1732-1806)

Ingres (1780-1876)       

Degas (1834-1917)       

Caillebotte (1848-1894)

Delacroix (1798-1863)  

Sisley (1839-1899)       

Van Gogh (1853-1890)

Courbet (1819-1877)    

Cézanne (1839-1906)   

Sargent (1856-1925)

Whistler (1824-1903)   

Monet (1840-1926)       

Signac (1863-1935)

Rossetti (1828-1882)    

Bazille (1841-1870)      

Sohlberg (1869-1935)

Pissarro (1830-1903)

Renoir (1841-1919)

Manet (1832-1883)

Gauguin (1848-1903)   

Picasso (1881-1973)     

Van Meegeren (1889-1947)    

Rivera (1886-1957)

Todo ha sido un deleite, he querido devorarlo todo, he valorado tanto las rupturas y en esta última etapa “Las Vanguardias” los acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. Los Salones de Paris el rechazo de obras y pintores que iban en contra de las corrientes y de un arte figurativo, mimético, el salón de los rechazados, el artista incomprendido la revolución industrial, la teoría de la relatividad de Einstein, etc… nos llevaron a explorar ere maravilloso modo de lenguajes nuevos, Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910). El nombre de Manet suena y resuena con ese “sol naciente” cuadro en el que me quedé mirando el Rio Guayas en un atardecer de desolaciones, y sentirme en la locura y los girasoles de  VincentVan Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Recuerde maestro que aquí se partio mi alma en dos cuando puso Don McLean - Vincent ( Starry, Starry Night) ya había volado lejos, una sensibilidad a flor de piel, me hermana con una divinidad negada que empiezo a recuperar.

Asomarse a “la ventana”de Matiss, Derain, Dufy y Braque y conocer el  fauvismo

Para conocer los horrores de la Iguerra mundial y entra en el cubismo, los nombres que resuenan son Pablo Picasso y Braque.

La mejor parte llega pues al conocer el Expresionismo estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista, grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch, me quedo con el grito que me acompaña y la crudeza del reconocimiento de ser lo que somos.

El futurismo; el primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla.

Dadaísmo el más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray aquí estoy yo también desde el performance y la necesidad de ser visible y estorbarle al espacio establecido.

Surrealismo comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, y el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.

Suprematismo vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos en las obras.

El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.

Neoplasticismo, de origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político.

Segunda Vanguardia.

EL informalismo, tendencia pictórica, también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesar de su desarrollo independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación del mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de pintura, en muchas ocasiones con aditivos(arena, polvo de mármol, yeso…). Su pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más representativo del estilo fue Jean Dubuffet.

Expresionismo abstracto americano el nombre que resuena es el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Otro artista reconocido fue Willem de Kooning, Philip Guston. Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting”

Pop Art.

Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney.

Y llegamos al Arte Conceptual. Happenings, Body Art, performance.

Para este último café prefiero que nos sentemos en en la escultura Spiral Jetty del artista norteamericano Robert Smithson está emplazada en el desierto de Utah.

Maestro Albert, muchas gracias por enriquecer mi vida como artista, ahora escribo proyectos apoyado en sus clases y en el maravilloso recorrido realizado esta etapa que la culminamos aquí en la espiral y con la foto de Perencejo” mi ultimo trabajo, que tiene un poco de toda esta historia.

¿Que hago con todo esto?

Es una fuente inagotable de conocimiento en la que me siento enormemente pequeño, espero deleitarme de la misma manera con la historia del teatro y de la danza a la he seguido tan de cerca desde esta historia del arte.